“Lo que sueño es un arte de equilibrio, de pureza, de tranquilidad, sin tema
inquietante, que sea para todo trabajador cerebral, para el hombre de negocios como
para el literato, por ejemplo, un lenitivo, un calmante, algo parecido a un buen sillón
que le descanse de su fatiga” Matisse, 1908.
El arte de David Sancho posee una gracia tan alada que, al primer contacto,
puede parecer ligero, incluso fácil. En realidad, esta gracia es una conquista y el
creativo no improvisó su estilo de repente. Busca su propio estilo en el collage como
base, hundiendo sus raíces con matices pictóricos. Pero desde el momento en que
está en su camino, ya no sufre la menor desviación y no hace más que avanzar y
desarrollarse.
Su deuda con Matisse no puede ser negada; pero el automatismo pictórico y
alegre nos aproxima al enfoque neofigurativo informal de la actualidad, pasando por
aquellas composiciones inusuales que Paul Klee dejó poéticamente representados en
sus “cuadernos de viaje” por el norte de África. De la misma manera, es en la obra de
David done podemos contemplar el prodigio de la imaginación introducida en la luz y el
color de sus recortes gráficos. Esto no impide que su luz y su color sean bien suyos y
que si, como sus antecesores, es un pintor de la felicidad, lo sea de un modo que no
comparte con nadie.
A David no le importa crear escenas, paisajes, interiores o bodegones. Sin
embargo, no sólo busca en la naturaleza el placer de la mirada: se deja inundar por el
azul del cielo hasta el fondo de su alma. La expresión de sus sensaciones es directa,
aguda, algo impaciente, y ante todo las expresa por el color. Un color que exalta,
refuerza, extiende, recorta y modifica si es preciso hasta que alcanza la sonoridad de
un fulgor chispeante o de una finura animada. En sus collages puede ser estridente;
pero nunca agresivo ni vulgar: los signos distintivos de su arte siguen siendo siempre
la amabilidad y el encanto. Si tiene en cuenta la luz propia de los lugares que nos
muestra, le gusta demasiado la precisión de los colores para dejar que no se enturbien
por otra serie de agentes que confundan su propia impronta. En general, el aire en su
arte es cristalino, el mundo es lozano como si acabara de surgir o como si una
pulcritud terminase de lavar toda posible suciedad o polvo.
Las composiciones acusan esta expresión. Ágil, ligero, vivo, nunca busca
definir los objetos de modo que resulten petrificados en una forma estática y pesada.
Sin embargo, si cada elemento es elíptico al extremo, si pone en vecindad las
“espirituales” abreviaciones con los signos inventados, es limpio, lleno de nervio y de
carácter. Sigue siendo evocador incluso cuando parece solamente una fragosidad
esquemática. Por lo demás, creando sólo formas abiertas, el autor hace surgir a los
espacios y a los objetos de su aislamiento, para hacerlos permeables a lo que les
rodea. Al mismo tiempo, se abre la posibilidad de tratar un tema distintas veces sin
caer en lo monótono. Pinta series temáticas, pero cada obra es concebida con tanta
libertad, es ejecutada con una elocuencia tan impetuosa que surge como invención
única y como el efecto de una regocijante sorpresa.
Jaime Rodriguez, artista plástico, critico de arte y comisario de exposiciones
jaime Rguez ©2011
