jueves, 27 de octubre de 2011

"PASEANDO POR EL ZOCO"

“PASEANDO POR EL ZOCO”
Collage, vinilo y acrcilico sobre dm
Medidas : 100 x 100

Marrakech es probablemente la ciudad más exótica de Marruecos. Ya que es el punto de encuentro de culturas y continentes. Fue la primera capital del Marruecos unificado, es un vibrante centro comercial. Marrakech esta formada por dos ciudades distintas, la medina amurallada y Gueliz.
La medina se divide en barrios, la división mas clara entre el norte y el sur se advierte en la plaza central, “ Jemaa el-Fna”.Al norte de la plaza hay callejones intrincados y zocos muy concentrados.
Esta obra representa detalles del zoco, una especie de madrigueras de calles sombrías con forma de túnel…en una primera visita, el zoco puede ser agresivo y abrumador…aunque el zoco parece un montón de tiendas desordenadas que venden una gama incomprensible de productos. resulta curioso ver la capacidad de reciclaje de los lugareños, de cualquier frasco vacío te hacen botellas decorativas, perfumeros y todo tipo de objetos para el viajero que con la luz artificial se refleja en una brillante hilera de vidrios iluminados. Las formas suelen ser caprichosas y muchas veces no demasiado practicas. Y las piezas desde luego nacidas de la imaginación popular.

La imagen de la izquierda y la central sirven de modelo y orientación al espectador para comprender la tercera, que seria  la interpretación final.
En ella he intentado recrear un conjunto de diversas piezas de cristal, las transparencias mediante capas de vinilo y veladuras de acrílico  superposición de tonalidades lumínicas unas  y otras opacas para crear la atmosfera de la que os hablo. El mundo entre grotesco y surrealista del zoco y esa impresión fuerte de la oquedad la débil luz eléctrica, el exotismo. en definitiva la belleza del colorido y las formas caprichosas.
También he intentado contar como son los distintos planos de luz y color creado por los toldos y una serie de círculos para dar personalidad a distintas partes de la obra.

David Sancho

lunes, 24 de octubre de 2011

CRITICA DE ANTONIO OLVEIRA, PARA LA EXPOSICION CUADERNO DE VIAJES


o                                             David Sancho, (04/1966), aunque se considera admirador de Sorolla, -causa de ello es el uso del color que el valenciano usa en sus composiciones-, su pintura navega más cercana a las corrientes de vanguardia que van, desde el sentido constructivista y racional de un Cezanne hasta Matisse en su arte de vivir y pintar.
o                                              Lo que demuestra que aquellas vanguardias aún no han agotado su discurso, y que, frente a un tipo de arte snob que antepone el concepto, la sorpresa y, -sobre todo-, el epatar al público, todavía existen los pintores “de oficio”, que usan los soportes y materiales tradicionales, persiguiendo esas estelas que hacen aún del arte de la pintura un goce sensual y una traducción desprejuiciada e inclusive, más auténtica del mundo. Su actividad le lleva a organizar construcciones de color y formas que ya caracterizan a este pintor nacido en Antequera y cultivado en la Academia de Bellas Artes de Sevilla. David Sancho comulga con la visión que traduce sensaciones, emociones e ideas al plano, en una sinfonía de colores y figuras que convierten su diálogo interior en mensaje que traspasa al receptor por su cualidad sensorial. Dos temas se repiten, motivos antiquísimos, en su producción: el bodegón y el paisaje. La muestra que vemos en la exhibición es producto de sus experiencias y viajes, donde cobra un lugar especial Marruecos. Estos collages son fruto de la traducción artística de un momento fugaz atrapado en la memoria del artista, que el mismo ilustra con sus palabras:
Muchas veces los títulos de mis obras son meros acompañamientos para crear una línea de comprensión entre éstas y el publico, otras veces cobran una gran importancia, más allá de las leyes del cuadro, adivinando sueños y realidades a través de una economía formal. Finalmente, otras declino en el espectador el título, para que sea éste quien la complete. Para mí el color es la característica más sobresaliente de mi obra, mostrándolo en su pureza o mezcolanzas, según lo pida el lienzo. Me gusta el estudio del color hasta una meticulosidad extrema. Aunque a veces me lleven a resultados discordantes, procuro siempre equilibrar el riesgo con una rigurosa construcción compositiva. En la mayoría de los casos el color prima sobre la forma, que en muchas ocasiones me lleva a estructurarla mediante simples líneas o puntos.
Respecto a uno de sus bodegones, Puesto de hortalizas, él mismo lo describe:
Pienso que donde hay desorden cabe la fantasía, y donde hay fantasía, está la vida.
Esta construcción también es resultado de un recorrido por la medina de Fez. En esta ocasión un puesto de cebollas, que me trajo a la mente el poema de Miguel Hernández. En otro momento observé a un hombre comiendo cebolla cruda con un trozo de pan. El olor de la hortaliza llegó impactando mis narices. El color rojo y dorado de la foto inicial se convierten en tonos grises y azules como “sensación gustativa” que me produciría la sensación de traducir aquella comida tan simple, ayudada por la reducción formal de los elementos de la composición.
No es que el objeto en sí sea para mí lo más importante, sino la agrupación de elementos. Para describir el fondo usé unos planos recortados y superpuestos a tenor de no crear un vacío o un fondo plano. En cuanto al colorido, esta vez resulta más oscuro, -debido a una sensación personal-, aunque declinando en caer en críticas sociales.
O respecto al paisaje:
Un paisaje es un estado de ánimo, en el que la mancha, el gesto, el
color, la línea, el plano, son mi fuente de recursos para expresar vitalidad o negritud. Espejo de la realidad donde se puede respirar espacio, las formas se cierran y se abren en cualquier punto para dejar ver la intersección de caminos que articulan la composición.

Antonio Olveira, Doctor en Historia del Arte.

"JARDIN TANGERINO" Collage y tecnica mixta. 35x35cm. sobre dm

“JARDIN TANGERINO”   35x 35cm
Collage y técnica mixta sobre tabla.

Desarrollo del trabajo:
Tánger posiblemente haya sido la ciudad más cosmopolita de Marruecos.
Hasta el año 1956. que dejo de ser zona internacional, dentro de su arquitectura, podemos ver casas de arquitectura europeizada, villas con estilo Italiano… pero sin perder su esencia árabe. Estas construcciones suelen estar fuera de la medina antigua. Algunas poseen jardines, recoletos y sobre todo repletos de plantas aromáticas y frutas. con surtidores de agua, arquitos arabescos y palmeras entre otros árboles destacables. lo más llamativo de estos lugares es su tranquilidad y su ubicación casi oculta entre tapias y corredores, los jardines son pequeñitos pero a veces parecen como un pequeño vergel intimista.
He aquí una idealización de estos lugares con sus tapias y muros llenos de ventanucos y manchas de sol sobre múltiple colores.

David Sancho

miércoles, 5 de octubre de 2011

EN LA MEDINA DE TANGER


“EN LA MEDINA DE TANGER”

25 x 25. Collage .vinilo y acrílico sobre tabla
Desarrollo de la  obra

En la foto de la izquierda podemos ver un puesto cualquiera de los muchos que no encontramos en las medinas marroquíes. En este trabajo he intentado emular un puesto , concretamente de la medina de Tangér, imaginándome varias posiciones: una tras el puesto y otra frente a el.
En esta pieza lo mas destacable son los toldos, muchos acaban en faldones de forma oval o de puntilla… durante el día y a pleno sol, si nos ponemos delante o detrás del puesto, tenemos dos franjas que delimitan la oquedad o parte a la cual el toldo protege y la luz dorada y espesa de la vida en la calle.
Si entornas los ojos, las formas se vuelven difusas y la imaginación dibuja figuras amorfas casi todas al final, te hacen recordar círculos, formas verticales acabadas en punta, tamizadas por una cortina de calor y colores vivos…
Muchas veces el suelo se tapiza de franjas ocasionadas por los cansos que intentan hacer sombras con la luz del lugar

David Sancho

lunes, 3 de octubre de 2011

El TRABAJO DEL ARTISTA

A veces el trabajo del "artista" aburre.
¡no me enseñes lo que yo puedo adivinar¡
Muestrame lo que no puedo ver, muestrame otra versión de la moneda, la cual no tiene que estar reñida con la realidad o en contra, llamemosle como queremos... la perfeccion aburre, por que no existe

ESCRITOS Y REFLEXIONES SACADOS DE UNA LECTURA SOBRE ARTE

Escritos sacados de una lectura sobre pintura.


Dentro de la tradiccion occidental, las escuelas y los pintores que optan por el color frente al dibujo estan representados por los venecianos y por los flamencos del XVII, Con Rubens a la cabeza; luego, con Velásquez . Y la tradiccion continuara con Goya. Esa es un poco la medula de la colección de prado , dentro de la historia de la pintura occidental, la vena colorista y sin en algún sitio se reinvindica esa tradiccion en la hilanderas , que de alguna manera es una especie de resumen del prado.

En ningun pais , excepto en España, se valoro tanto a Velásquez como en la Inglaterra del siglo XIX. Ellos son, en gran parte , los responsables de la fama extraordinaria que fue adquiriendo el artista en esa epoca. Se lo tienen ganado. De hecho, el que a partir del siglo XIX se haya valorado tanto la pintura española no solo se debe a la apertura del Museo del Prado, sino tambien a que parte de esa pintura se dispersa por Europa. Por un lado, hemos perdido esos tesoros , pero, por otro , eso hizo posible que en otros paises pudieran admirarlos y que la pintura española empezara a tener una historia.



TESOROS DEL PRADO

El prado es la colección con mas obras de arte por cm cuadrado.
Las lagunas del prado: tiene sus fallos , por ejemplo , algunas lagunas notables en la pintura del Quattrocento, que está poco representada, aunque lo expuesto sea muy bueno, de Mantenga a Botticelli.

¿Tambien hay modas a la hora de valorar a los grandes maestros?
Al principio , la estrella del museo era Rafael y su cuadro “ El pasmo de Sicilia” . Era el artista que ocupaba el espacio central del museo y nadie hablaba de Velásquez. Pero las modas cambian y , en el siglo XIX ; Rafael cede el trono a Velásquez. Dentro de la obra de Velásquez ha habido cambios en cuanto a modas, como por ejemplo, hace dos siglos , las meninas no tenian la reputacion de obra maestra absoluta de la pintura , que ahora.


El corazon de la colección del Prado es la pintura Veneciana. La colección real se hizo en torno a Tiziano. Es el primer pintor que tiene relacion con los Reyes de España y , sobre todo , es el modelo de gusto de los monarcas españoles y de la decantación del color. Si tenemos una colección tan maravillosa de Rubens, es porque antes habia estado Tiziano. Incluso Velásquez es incomprensible sin Tiziano, de quien tenemos la colección mas grande del mundo. Ademas , contamos con los otros dos grandes pintores venecianos: El verones y Tintoretto.

Peculiaridades: entre todas las colecciones de los grandes museos del mundo, la del Prado es la que esta en mejores condiciones ,  básicamente , es la antigua colección Real. Es decir , que ha tenido un solo dueño en toda su historia, con lo cual no ha sufrido .Porque lo que mas altera la conservación de una obra son las restauraciones asesinas que suelen realizarse cuando cambian de propietario.

En su época el cuadro de la Maja desnuda de Goya. Fue críticado, decian que no tenia ni dibujo ni colorido, ( Goya lo pinto como una venus moderna)
Cuando se hizo el inventario de los vienes de Godoy. Figura ya con otra, la vestida que se debio hacer en 1800-1808, seguramente para emperejarla con ésta. Ese inventario que lo hace un francés , se refiere a ellas como unas gitanas. Los ojos del frances observan en ellas algo anormal, que no se ajusta a lo que es una Venus: una mujer mas antigua mas clasica . No estan las palomas o el cupido al lado o una flecha caida por hai . ¡nada¡ Es solamente un desnudo femenino en un canapé y esto tenia que llamar muchisimo la atención . Por eso la llama. “gitana”

GOYA NO COPIA DIRECTAMENTE DE LA REALIDAD , SINO QUE INVENTA, COMO TODO GRAN PINTOR.

El rostro de las venus, no responden a ningun retraro de nadie en concreto. Debio de hacer dibujos comparatorios . eso puede indicar por ejemplo algunos dibujitos que aparecen en el llamado “ Album de Sanlucar” . Pero son dibujos de burdeles donde Goya ha podido entrar para dibujar las mujeres desnudas porque , si no, era muy difícil. Alli hay este tipo de imágenes donde aparece la Joven recostada en lugares muy similares.

“ en el siglo XVIII, el gesto de la cabeza erguida mirando hacia un lado, es la forma en que se representa a las grandes figuras de la aristocracia o de la nobleza en este periodo”

“ Goya igual que Velásquez es un maestro de los negros” nunca los empasta o los ensucia sino que siempre logra el tono perfecto y transparente.

Rubens.  Rubens tiene gran  fe en la  capacidad de las formas para transmitiar algo, eso se ve por la torsión de las telas , de la mano, los dedos; por los pomulos , la barba….Cree, igual que un artista abstracto, en la capacidad de formas  y colores para causar placer o emocion, al margen de lo que estén mostrando